EL GUERNICA

 

Guernica 1

¿QUÉ REPRESENTA?

El 26 de Abril de 1.937 la villa vasca de Guernica fue objeto de un cruel bombardeo por parte de la aviación alemana, que produjo numerosas víctimas inocentes y cuantiosos daños materiales. El hecho se enmarca en el desarrollo de la Guerra Civil española, comenzada el 18 de Julio de 1.936, y que enfrentaba al gobierno de la República, democráticamente elegido, con el ejército rebelde de Franco, sublevado contra el poder legítimo. Mientras los soviéticos de Stalin ayudaron a la República, Franco obtenía abundante ayuda humana y material de la Italia de Mussolini y de la Alemania de Hitler. La aviación de éste último tomó la iniciativa de bombardear Guernica por cuenta propia, sin pedir ningún permiso ni notificarlo a Franco. Los aviones Junker alemanes de la Luftwaffe realizaron un bombardeo-alfombra contra la desprotegida villa. La razón del ataque no podía ser la existencia de depósitos de armas, ni cuarteles o tropas, ni objetivos estratégicos ni que la villa fuese un nudo de comunicaciones. Guernica carecía de cualquier importancia militar o estratégica.

Accede aquí para ver una presentación del cuadro en 3DPicasso’s Guernica en 3D

La vergonzosa razón fue probar en fuego real los nuevos aviones y su armamento ante el avecinamiento de la Segunda Guerra Mundial. Para explicar lo inexplicable, Franco en una delirante declaración echó la culpa del ataque a los republicanos que así habrían conseguido una excusa, bombardeando una ciudad de su zona, para poder acusar a los nacionalistas de Franco. Ni que decir tiene que este argumento no fue tomado en consideración por nadie.

El horror que causó este episodio fue muy alto en la opinión pública internacional, no sólo por el sacrificio absurdo de inocentes, sino, sobre todo, por ser la primera vez en la historia en que se atacaba desde el aire una ciudad. En poco tiempo, ciudades inglesas, alemanas y japonesas serían borradas del mapa con ese método. Este tipo de desastre masacraría a millones de personas inocentes y dispararía la cifra de bajas hasta extremos escandalosos.

 

DESCRIPCIÓN DEL CUADRO

Contemplando la obra de derecha a izquierda puedes ver una mujer desesperada, gritando de dolor dentro de una casa que se derrumba y arde. A su izquierda dos mujeres más, la de la parte superior asoma por una ventana y porta en su mano una lámpara, la luz de la verdad, que ilumina los estragos producidos por la barbarie. La de la parte inferior sale de la casa arrastrándose en su agonía. En el centro de la composición se encuentra el caballo, retorcido sobre sí mismo y mostrándonos una espuela; su boca abierta y su lengua-lanza demuestran su excitación ante los acontecimientos. Justo encima está el sol, empequeñecido, en forma oval y con una bombilla en su centro como si el humo del bombardeo hubiese contraído el astro rey y la única fuente de iluminación tuviese que ser artificial. Un poco a la izquierda un pájaro agita las alas y clama al cielo desesperado como si pidiese inútilmente una explicación para lo acontecido. Bajo las patas del caballo yace el guerrero muerto, su mano todavía sujeta una espada rota.

En el extremo izquierdo, un toro contempla la escena sorprendido y desconcertado y, a su lado una visión terrible: una madre abrumada por el dolor lleva en sus brazos el cuerpecito de su hijo muerto mientras mira al cielo rota por el dolor y la pena.

Picasso renuncia al color para acentuar el dramatismo y sólo utiliza la gama de grises, el blanco y el negro, es lo que en arte se denomina grisalla.

Es un cuadro “sonoro”, los personajes gritan, gesticulan y mueren bajo las bombas ciegas que con todo acaban. La denuncia de la violencia es aquí intemporal y ha sido siempre utilizada como un canto contra la sinrazón de la destrucción y la muerte en cualquier guerra. Picasso pinta a las cuatro mujeres en actitudes desesperadas, son la población civil indefensa, pero también al militar caído en la defensa y a los animales, ajenos a la locura humana.

Una característica que el autor utiliza con frecuencia es la representación simultánea de varios planos en los rostros, como si los viésemos a la vez de frente y de perfil, de ahí un ojo diferente del otro, produciendo una visión globalizadora.

Técnicamente el Guernica tiene rasgos cubistas (reduce las formas naturales a formas geométricas) pero también emplea el expresionismo en los gestos extremos de los personajes y una gran pureza y definición de líneas que nos recuerda el neoclasicismo.

 

EL SIGNIFICADO

La visita de Picasso a España justo antes de la guerra civil le supone una gran curiosidad por lo fiesta de los toros. Todos sus elementos están en el cuadro: el toro símbolo de fuerza, brutalidad y oscuridad, el caballo de la inocencia y la víctima indirecta de todas las tragedias, el espacio acotado y la espada. Los símbolos taurinos muestran aquí la esencia de España y su sufrimiento.

La luz de la lámpara ilumina la escena central de forma triangular y no se sabe muy bien si estamos en una escena interior o al aire libre, puesto que la indefinición espacial no nos da ninguna clave al respecto. El cuadro es el más elaborado y pensado de Picasso, realizó 45 bocetos o estudios previos, que fotografió y amplió al objeto de componer el conjunto de una manera coherente y expresiva.

 

SIMBOLIZACIÓN DEL CUADRO

El pintor, quién vivía en París en ese tiempo, supo de la masacre por los periódicos y pintó personas, animales y edificios destruidos por las bombas, tal como los vio en su imaginación. El ataque provocó la indignación del mundo entero. Incluso, en la actualidad, sigue siendo un símbolo para la paz y contra la destrucción causada por cualquier guerra. En el cuadro podemos observar tres animales y cinco personas:

®    El toro. Simboliza la fuerza, la brutalidad, el ataque del invasor que causa la muerte a tantas personas. También se trata de un autorretrato del pintor.

®    El caballo. Representa al pueblo que ha sido atacado. Si nos fijamos está herido por una lanza y levanta la cabeza gritando por el dolor de la invasión.

®    Las mujeres. Hay varias mujeres que gritan, lloran o levantan los brazos horrorizadas por la guerra en busca de la salvación. Una lleva a su hijo muerto en los brazos, otra está envuelta en llamas, otra se arrastra por el suelo buscando con su mirada la luz y la última de ellas entra en el cuadro por arriba con una lámpara intentando iluminar el espacio ennegrecido por el humo de las bombas.

®    El guerrero muerto. Pisoteado por el caballo hay un hombre descuartizado. Sólo podemos ver su cabeza y sus brazos mutilados, separados del cuerpo. Con una de sus manos empuña una espada rota y de ella brota una flor como símbolo de esperanza a tanta catástrofe.

®    La paloma. Si nos fijamos, entre el toro y el caballo hay una paloma con una de las alas rotas y con el pico gritando de dolor. Se trata de la paloma herida por los efectos del bombardeo.

Los personajes tienen sus ojos en forma de lágrimas y sus lenguas son afiladas como cuchillos que salen de sus bocas como gritos de dolor por la tragedia de una guerra.

 

LA HISTORIA DEL CUADRO

Finalizada la Guerra Civil Española con la derrota del gobierno republicano el Guernica no volvió a España, ya en manos fascistas, sino que viajó al M.O.M.A. (museum of modern art) de Nueva York. Por deseo expreso Picasso, el cuadro no podría volver a España hasta que nuestro país fuese una democracia. Con la muerte de Franco en 1.975, España recupera esa democracia y el cuadro viene de Nueva York, siendo expuesto en el Casón del Buen Retiro (dependencia del Museo del Prado para las colecciones de los siglos XIX y XX). Despierta una enorme expectación y miles de personas hacen colas interminables para contemplarlo, adquiriendo así ese carácter de símbolo imperecedero que lo caracteriza.

Recientemente se cambió su ubicación al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, también de Madrid, donde actualmente se encuentra en exposición. Hace pocos años fue solicitado por el gobierno vasco para exponerlo en el Guggenheim con el argumento de que era una pintura vasca pero su delicado estado de conservación desaconsejó el traslado. Se provocó una gran polémica y Arzallus llegó a decir “en Madrid tienen el arte y nosotros sólo las bombas”. Lo cierto es que el argumento de que representa a una villa vasca no es suficiente para que vaya allí. El encargo lo hizo el gobierno de Madrid, Picasso dejó escrito su deseo de ver el Guernica colgado en El Prado, el cuadro es alusivo a la guerra de España y, como cualquier obra de arte es universal, ajena a nacionalismos y sectarismos.

 

EL AUTOR

Pablo Ruiz Picasso nació en Málaga en 1.881, muy joven se trasladó a Barcelona y, finalmente se estableció en París.

Pasó por varias etapas estilísticas como el periodo azul, el rosa, el cubista y el surrealismo. Fue un verdadero genio de la pintura universal y un gran innovador, permanentemente indagando en nuevos campos de expresión artística.

Murió el 8 de Abril de 1.973.

 

EL GUERNICA PINTADO POR NIÑOS

Guernica 2 Guernica 3 Guernica 4 Guernica 5

 

TRIVIAL – EL GUERNICA

Juega al trivial con preguntas acerca del cuadro: http://www.incuestionable.com/inc.asp?inc=16-anfhleugtv

 

PROPUESTA DIDÁCTICA

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Descarga e imprime el cuadro del guernica en blanco y negro y colorealo a tu gusto.

 

WEBS VISITADAS

http://www.cossio.net/actividades/pinacoteca/p_01_02/guernica_picasso.htm

http://www.museoreinasofia.es/coleccion/sala/sala-206

http://www.incuestionable.com/inc.asp?inc=16-anfhleugtv

http://www.youtube.com/watch?v=_a5FSh7SlLA

http://www.dalealplay.com/informaciondecontenido.php?con=280228

http://www.artehistoria.jcyl.es/v2/videos/789.htm

http://es.slideshare.net/profebiondi/guernica-10109741

http://www.youtube.com/watch?v=hdp9x3iDDIA

http://www.actiludis.com/?p=5087

http://www.slideshare.net/eukenes/anlisis-de-el-guernica-de-picasso

http://www.slideshare.net/colegioelatabalmalaga/guernica-1097198

El Nacimiento de Venus

EL NACIMIENTO DE VENUS (1485)

Renacimiento. Cuatroccento

Venus 1

INTRODUCCIÓN

El Nacimiento de Venus es una de las obras más famosas de Botticelli. Fue pintada para un miembro de la familia Medici, para decorar uno de sus palacios de ocio en el campo. El tema mitológico era habitual para las casas de campo. Reúne esta obra las características del estilo renacentista: es narrativa, exponiendo en este caso una historia sacada de la mitología. Es realista pues las figuras, y los objetos están reproducidos con el mayor cuidado porque se parezcan en todo a sus modelos reales. Utiliza la perspectiva geométrica, dando ilusión de profundidad. El esquema de composición es triangular. Es una pintura que se fundamenta en el poder definidor y expresivo de la línea, y considera el color como un accidente de la materia de importancia secundaria. Las formas se cierran con un dibujo de trazo continuo y su separación del fondo es absoluta. Se da interés preferente al cuerpo humano, en particular al desnudo, cuya anatomía se estudia y copia cuidadosamente

EL AUTOR

El verdadero nombre del autor de esta obra era Alessandro di Mariano Filipepi, más conocido como Botticelli. Sandro Botticelli fue el principal pintor italiano en Florencia en la segunda mitad del siglo XV, siendo su estilo refinado y femenino. Sus principales patrones fueron la dinastía Medici, para quien este artista realizó muchas obras como retablos, porta retratos, alegorías y banderas.

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RELACIONES CON OTROS MONUMENTOS HISTÓRICO­ARTÍSTICOS

En esta obra, Botticelli trata de reconstruir una pintura del pintor ateniense Apeles, descrita en una poesía de Poliziano. El tema deriva de la literatura homérica, recogida en las “Metamorfosis” de Ovidio. La figura central, Venus, está directamente inspirada en la Afrodita de Cnido de Praxiteles y en la serie de Venus púdicas helenísticas.

Sin embargo, el rostro recuerda al de las vírgenes de Botticelli: muy joven, de boca cerrada y ojos claros. Su expresión melancólica es impropia de la Antigüedad, asociándose más bien a la expresión de una bondad de raigambre cristiana.

La idea de mezclar o unir los elementos de la Antigüedad clásica con el cristianismo es quizás el primero de los sellos de identidad del Renacimiento italiano de la Edad Moderna, el Neoplatonismo.

VÍDEO DEL NACIMIENTO DE VENUS

PRESENTACIÓN DEL NACIMIENTO DE VENUS

ANÁLISIS DEL ENTORNO SOCIO-CULTURAL

En la 2ª mitad del Quattrocento es el elemento conservador el que impone el gusto en Florencia. Sigue siendo un arte amante de la realidad, abierto a nuevas experiencias, pero no se impone en absoluto a la admisión de nuevos impulsos.

El dominio de los Medicis, con su opresión fiscal, redujo sensiblemente el volumen de los negocios y obligó a muchos empresarios a abandonar Florencia. Los encargos por tanto provienen principalmente de los Medicis y de algunas otras familias; a consecuencia de este fenómeno la producción asume ya un carácter más exclusivo y refinado…

COMENTARIO ARTÍSTICO

El Nacimiento de Venus se trata de una pintura realizada en témpera sobre lienzo. (La témpera antigua era fabricada por cada artista diluyendo polvos minerales en agua, y agregando yema de huevo como aglutinante.)

Según cuenta la leyenda Venus, diosa del amor, nació de los genitales del dios Urano, cortados por su hijo Crono y luego arrojados al mar. El título de la obra no es, por lo tanto, exacto, ya que el cuadro no representa el momento del nacimiento de la diosa, sino que muestra la llegada de Venus, sobre una concha, a la playa de una de las islas que tradicionalmente se le dedican, como Chipre, Pafos o Citerea. La diosa es empujada por el soplo de los dioses alados, entre una lluvia de flores.

A la izquierda aparecen los primeros dos personajes de la obra. Uno de ellos es Céfiro (Dios del viento del oeste); a su lado está Cloris (que significa pálido). Es la ninfa de la brisa y esposa de Céfiro a quienes los romanos apodaron Flora. También se ha identificado con Aura, diosa de la brisa. Céfiro y Cloris, fuertemente abrazados simbolizan la unión de la materia y el espíritu. A su alrededor caen rosas, flores sagradas de Venus, creadas al tiempo que la diosa del amor, que con su belleza y fragancia son el símbolo del amor, y con sus espinas nos recuerdan el dolor que éste puede acarrear.

El centro de la composición está ocupado por la diosa Venus sobre una concha que flota en un mar verdoso. Tiene la actitud de una Venus púdica: una mano sobre el pecho y otra sobre el sexo. Cubre con sus largos y rubios cabellos sus partes íntimas, aunque la larga cabellera, cuya representación estaba prohibida. El cabello es un ornamento eminentemente erótico; Botticelli lo pinta con largos arabescos que rozan la anatomía de la diosa con una delicada caricia. Con su brazo derecho trata delicada y casi inocentemente de taparse sus pechos. Su postura curvilínea sigue siendo propia del gótico. Ahora bien, el contrapposto, con todo el peso en la pierna izquierda y el pie derecho un poco atrasado y ligeramente levantado, se considera una actitud inspirada en las estatuas antiguas en particular las del Helenismo. Se cree que en esta Venus pudo representar a Simonetta Vespucci. La piel de Venus es de color marfil, un blanco con una ligera tonalidad amarillenta y con ocasionales matices rosa. Esta tonalidad no recuerda a la piel, no sugiere carne tibia y flexible, sino la superficie y la firmeza de una estatua.

Desde los tiempos de la Roma clásica no se había vuelto a representar a esta diosa pagana desnuda y de tales dimensiones: el desnudo femenino, considerado pecaminoso en el arte medieval cristiano, se recupera en el Renacimiento como símbolo de inmaterialidad. Esta Venus no representa el amor carnal o el placer sensual sino que, con su postura y sus facciones finas, se acerca más al ideal de inteligencia pura o saber supremo. Venus sustituye a la Virgen, expresando una fascinación hacia la mitología común a muchos artistas del Renacimiento.

Una de las Horas o Ninfas espera a la diosa en la playa, para cubrirla con un manto rojo con motivos florales. Se cree que se trata, específicamente, de la Primavera, la estación del renacer. Lleva un traje floreado: es blanco y está bordado de acianos. Un cinturón de rosas rodea su cintura y en el cuello luce una elegante guirnalda de mirto, planta sagrada de Venus y símbolo del amor eterno. Entre sus pies florece una anémona azul. El que la ninfa tape con su manto a la diosa es señal de que los misterios de Venus, como los del conocimiento, se encuentran ocultos.

El paisaje no recibe especial interés por el pintor, lo que es una característica de Botticelli. Los árboles forman parte de un pequeño bosque de naranjos en flor, esto corresponde al sagrado jardín de las Hespérides en la mitología griega. No obstante, los naranjos, lo mismo que el laurel, también presente, pueden entenderse como alusiones a la familia Medici. Destacan los ropajes, caracterizados por tener una gran marcación de pliegues. Esta composición es de estructura más rigurosa, llena de líneas y de movimientos armónicos.

El efecto expresivo radica en la relación dialéctica que existe entre el dinamismo de las figuras secundarias y la inmovilidad de Venus, navegando majestuosamente hacia tierra.

Es una composición que manifiesta la transformación de las divinidades del Olimpo en elemento de representación simbólica de unos valores creados por Dios. La belleza adquiere así su condición de don divino, de manera que el asunto mitológico se convierte en expresión de la moral platónica. No es, pues, una exaltación pagana de la belleza femenina; entre sus significados implícitos se encuentra también el de la correspondencia entre el mito del nacimiento de Venus desde el agua del mar y la idea cristiana del nacimiento del alma desde el agua del bautismo. La belleza que el pintor quiere exaltar es, antes que nada, una belleza espiritual y no física.

¿QUIÉNES SON CADA PERSONAJE Y QUÉ SIMBOLIZAN?

  • VENUS: Venus es su nombre romano; los griegos la llamaban Aphrodita. Ella es la diosa del amor, belleza, risa y matrimonio. Venus trae belleza al mundo y por lo tanto los que aman la belleza persiguen valores que son elevados e incluso celestiales. Una de las más importantes diosas de la antigüedad.
  • CÉFIRO: también conocido como el hijo de Aurora (el alba) es el Viento del Oeste.
  • CLORIS: Ella era la ninfa de la brisa, consorte de Céfiro. Su nombre también significa pálido. Los romanos la apodaron Flora, pero también la han identificado con Aura, diosa de la brisa.
  • PRIMAVERA: una de las diosas de las estaciones. La estación del renacer.

VENUS:

¿Quién era la modelo de Venus?

Venus 3

Simoneta Vespucci fue una musa italiana del Renacimiento, esposa de Marco Vespucci de Florencia, familiar de Américo Vespucio. Pintada por Botticelli en varias ocasiones, fue la familia Vespucci que la dio a conocer al mundo. Muchos pintores en Florencia quedaron fascinados por ella y desearon usarla como modelo. Entre éstos, los hermanos Lorenzo y Giuliano, de la familia de los gobernantes Medici.

  • En mitología, Venus-Afrodita nació de la espuma de mar. La teología romana presenta a Venus como el principio de rendimiento, esencial para la generación y el equilibrio de la vida. Ella puede dar la victoria militar, el éxito sexual, la buena fortuna y prosperidad.
  • Venus se encuentra en la pose llamada contrapuesto (contrapposto) que es mucho más elegante que si la modelo estuviera parada con ambos pies juntos y derechos en el suelo.
  • La pose de la Venus de Botticelli es una reminiscencia de una Venus de la colección Medici. Una escultura de mármol de la antigüedad clásica que Botticelli tuvo oportunidad de estudiar.

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  • De ojos soñadores y tímidos mirando hacia ningún lugar en particular.
  • Su mente está en otro lado como si recordara el lugar lejano de donde proviene.
  • Completamente desnuda porque acaba de nacer. Este es un nacimiento inusual porque es el nacimiento de una diosa. Según la leyenda Venus ya era adulta cuando nació.
  • Venus casi siempre es mostrada desnuda porque ella es un ser sobrenatural. Nada puede afectarle ni lastimarla como lo haría el frío o alguna otra cosa a un ser humano.
  • Botticelli quiso mostrarnos en la expresión soñadora de Venus que no basta con reconocer cuan hermosa era sino que también tenemos que entender que su belleza viene de otro mundo. Un mundo que no podemos conocer o entender, donde todo debe ser perfecto como lo es ella.

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¿Qué significa la inmensa concha en la que descansa Venus?

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Los caracoles han sido siempre considerandos como símbolos de la fertilidad femenina. Esta gran concha es conocida como Concha de Santiago porque en la Edad Media, una de las peregrinaciones cristianas más importantes era la que se realizó a Santiago de Compostela. A partir de aquí se desarrollaron una de las leyendas donde se sostiene que la ruta se veía como una especie de peregrinación de la fertilidad, llevada a cabo cuando una joven pareja deseaba tener hijos.

 CÉFIRO y CLORIS:

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A la izquierda del cuadro observamos los primeros dos personajes de esta obra. Céfiro es conocido como el Viento del Oeste, es la suave brisa de la primavera que impulsa a Venus a la orilla. Aquí lo vemos entrelazado con la diosa Cloris, a quien había secuestrado. Ellos simbolizan la unión de la materia y del espíritu.

¿Cómo secuestró a Cloris?

La ninfa Cloris fue secuestrada por Céfiro en el jardín de las Hespérides. Céfiro se enamoró de su víctima y ella consintió convertirse en su esposa. De esta manera la ninfa subió su rango a diosa y así fue como esta nueva diosa sostenía el perpetuo dominio sobre las flores.

¿Qué significaban las rosas?

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De acuerdo a la mitología antigua, la rosa fue creada al mismo tiempo que el nacimiento de la diosa del amor. La rosa con su exquisita fragancia y belleza, es el símbolo del amor. Sus espinas nos recuerdan que el amor puede ser doloroso.

¿Por qué esta pareja tiene diferente color de piel?

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Esta no es una pintura cristiana, por lo tanto no existen ángeles, esta pareja tienen alas porque viven en el cielo. Botticelli quiso diferenciar dos tipos de vientos de diferente fortaleza. Por esta razón, los pintó como un hombre y una mujer. Tradicionalmente las figuras masculinas se pintaban con una piel mate más oscura como si hubieran sido bronceadas por el sol. Las mujeres se mostraban normalmente con una piel más clara, como si siempre se protegieran del sol. Así es como aparecen más suaves, delicadas y frágiles.

¿Cómo definían su fortaleza?

Como ellos son conocidos como los Vientos, se encuentran soplando hacia Venus para que ella pueda llegar a la orilla. Los soplos de aire dibujados por Botticelli eran líneas blancas más marcadas. Un soplo de aire más fuerte para Céfiro que para Cloris. El soplo de Céfiro alcanza a levantar el pelo de Venus y la túnica roja que trae una de las Horas.

 

HORA PRIMAVERA:

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  • Ella era una de las tres gracias, que eran las tradicionales compañeras de Venus. En su vestimenta, así como en la túnica que trae, se encuentran dibujadas muchas flores primaverales porque Venus nació en la primavera.
  • Esta Hora se encuentra de puntillas, para no perderse la llegada de Venus. Con su brazo levantado y lista para poner la capa sobre sus hombros.
  • Su traje es blanco y está bordado, un cinturón de rosas (la flor de Venus) rodea su cintura y en el cuello luce una elegante guirnalda de mirto (la planta de Venus). Entre sus pies florece una anémona azul, que refuerza la idea de la llegada de la primavera.

Las olas del mar

En esta pintura no podemos esperar que la naturaleza sea el tema principal porque Botticelli no necesitaba hacer una fiel réplica del mar. Aprovechando la necesidad de imitar unas olas reales, fue creando un patrón en forma de V. Todas ellas muy estilizadas y, a medida que se alejaban en la distancia, se reducían en tamaño y al acercarse a los pies de la concha, cambiaban su forma.

FINALMENTE, UNA MIRADA GENERAL DEL CUADRO

Toda la pintura está bañada por un resplandor dorado que muestra un mundo transformado por la belleza de Venus. Todo el cuadro fue pintado usando colores claros y suaves. La piel de Venus es muy parecida al color de las perlas. Aquí Venus aparece como una estatua hecha de puro mármol, más que de carne. La parte derecha del cuadro es más oscura pero todo sugiere que la presencia de Venus hará que esas sombras desaparezcan.

 POEMA DONDE SE RECUERDA EL NACIMIENTO DE VENUS

Ella aún no ha nacido,

ella es la música y la palabra,

y por ello es de todo lo vivo la unión inviolable.

Tranquilamente respiran los pechos del mar;

pero, como loco, está claro el día,

y la pálida espuma violeta en el recipiente negroazulado.

¡Qué hallen mis labios la mudez inicial

como una nota cristalina que es pura desde el nacimiento!

¡Quédate como espuma, Afrodita,

y tú, palabra, vuelve a ser música,

y avergüénzate del corazón,

tú, corazón fundido con el principio de la vida!

¿DÓNDE PODEMOS VER ESTA OBRA?

En la Galería Uffizi, en Florencia, Italia.

http://www.uffizi.firenze.it/

La Galería de los Uffizi fue creada por la familia Médici en el siglo XV. Pronto se dedicó a pinacoteca, es decir, galería de pintura, especializada en Renacimiento. Incluye obras maestras de la Historia del Arte como la Primavera de Botticelli, la Adoración de los Magos de Leonardo, el Tondo Doni de Miguel Ángel, el Tríptico Portinari de Hugo van der Goes o el retrato de León X de Rafael.

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HOMENAJES DEL MUNDO DEL CÓMIC

John Byrne realiza un irreverente homenaje de al canon de la belleza renacentista. El hombre que va a tapar a Babe dice algo así como: “No, No Babe, si les enseñas todo en la portada, nadie comprará el cómic”. . . Efectivamente. . . nadie compró el cómic.

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Milo Manara es autor de la portada del tomo de Giusepe Bergman, Camino Oculto, un tomo en el que hace multitud de referencias pictóricas.

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Otro de los homenajes es el de la portada que ha hecho Sean Chen en la serie Grimm Fairy Tales presents: Wonderland, aquí el número 7 publicado en 2012.

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En 2012, dentro del Avengers Art Appreciation Month donde se realizaban homenajes varios a todo tipo de pintores y artistas, Julian Totino Tedesco realizó un homenaje a la pintura como portada alternativa para el FF 17

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PARODIAS DIVERTIDAS DEL NACIMIENTO DE VENUS

Los Simpsons

Venus 16

Los teleñecos

Venus 17

Bob Esponja

Venus 18

Webs Visitadas

http://marisolroman.com/2012/03/03/el-nacimiento-de-venus-1485/

http://www.artehistoria.jcyl.es/

https://docs.google.com/document/d/1gzuzKWdyBYXmYrwWeodDrbEnk708C0w05_C_9mVHT8k/edit

http://imakinarium.net/homenajes/jbbabe.htm

http://pendientedemigracion.ucm.es/info/especulo/numero47/nacvenus.html

La Alhambra de Granada

Foto de la Alhambra

SITUACIÓN GEOGRÁFICA

La Alhambra se encuentra en Granada sobre una colina rocosa de difícil acceso, en los márgenes del río Darro, protegida por las montañas y rodeada de bosque, entre los barrios más antiguos de la ciudad, la Alhambra se levanta como un castillo imponente de tonos rojizos en sus murallas que ocultan al exterior la belleza delicada de su interior.

Mapa Alhambra 1

Mapa Alhambra 2

Mapa Alhambra 3

PROCEDENCIA DE LA ALHAMBRA

El nombre Alhambra proviene de una raíz árabe que significa “castillo rojo o carmesí”, tal vez debido a la tonalidad de las torres y muros que rodean toda la colina de La Sabica, que por la luz de las estrellas es de color de plata, y por la luz del sol adquiere un tono dorado. No obstante, existe otra versión más poética, narrada por los musulmanes que hablan de la construcción de la fortaleza de la Alhambra “por la luz de las antorchas”, las reflexiones de las paredes que daban su coloración particular. Creado originalmente para fines militares, la Alhambra era una “Alcazaba” (fortaleza), un “alcázar” (palacio) y una pequeña “medina” (ciudad), todo en uno. Este triple carácter ayuda a explicar muchas características del monumento.

El fundador de la dinastía, Muhammed Al-Ahmar, comenzó con la restauración de la antigua fortaleza. Su trabajo fue completado por su hijo Muhammed II, cuyos sucesores inmediatos continuaron con las reparaciones. La construcción de los palacios (llamado Casa Real Vieja, “vieja Casa Real o Palacio”) se remonta al siglo 14 y es obra de dos grandes reyes: Yusuf I y Muhammed V. Al primero le debemos, entre otras, la “Cuarto de Comares” (Cámara de Comares), la “Puerta de la Justicia” (Puerta de la Justicia), los Baños y algunas torres. Su hijo, Muhammed V, completó el embellecimiento de los palacios con los “Cuarto de los Leones” (Cámara de los Leones), así como otras salas y fortificaciones.

La Alhambra se convirtió en una corte cristiana en 1492 cuando los Reyes Católicos (Fernando e Isabel) conquistaron la ciudad de Granada. Más tarde, varias estructuras fueron construidas para los civiles prominentes también guarniciones militares, una iglesia y un monasterio franciscano.

HISTORIA DE LA ALHAMBRA

Concebida como zona militar al principio, la Alhambra pasa a ser residencia real y de la corte de Granada, a mediados del s XIII, tras el establecimiento del reino nazarí y la construcción del primer palacio, por el rey fundador Mohammed ibn Yusuf ben Nasr, más conocido por Alhamar.

A lo largo de los s. XIII, XIV y XV, la fortaleza se convierte en una ciudadela de altas murallas y torres defensivas, que alberga dos zonas principales: la zona militar o Alcazaba, cuartel de la guardia real, y la medina o ciudad palatina, donde se encuentran los célebres Palacios Nazaríes y los restos de las casas de nobles y plebeyos que habitaron allí.  El Palacio de Carlos V, (que se construye después de la toma de la ciudad en 1492  por los Reyes Católicos), también está en la medina. El emperador Carlos V, que pasó varios meses en Granada, comenzó la construcción del palacio que lleva su nombre e hizo algunas modificaciones en los edificios interiores.

El conjunto monumental cuenta también con un palacio independiente frente a la Alhambra, rodeado de huertas y jardines, que fue solaz de los reyes granadinos, el Generalife.

Durante el siglo 18 y parte del 19, la Alhambra quedó en el olvido y fue a ver a sus salones convertidos en tabernas, ocupadas por ladrones y mendigos. Como el golpe de gracia, las tropas de Napoleón, maestros de Granada desde 1808 hasta 1812, fueron para convertir los palacios en cuarteles Durante un retiro minaron las torres y volaron parte de ellos. Dos de ellas, la Torre de Siete Suelos y la Torre de Agua quedaron en ruinas. Y así el abandono increíble continuó hasta 1870 cuando la Alhambra fue declarada monumento nacional. Los viajeros y artistas románticos de todos los países han lanzado en contra de aquellos que despreciaban la más hermosa de sus monumentos. Desde esa fecha y hasta ahora, la Alhambra, protegidos, restaurados, cuidados, e incluso mejorar, se ha conservado por el placer y la admiración de Alhambra. Se convirtió en un sitio de Patrimonio Mundial de la UNESCO en 1984.

LA ALHAMBRA A LO LARGO DE LOS SIGLOS

No hay ninguna referencia a la Alhambra como residencia de reyes hasta el siglo 13, a pesar de la fortaleza había existido desde el siglo IX. Los primeros reyes de Granada, los Ziritas, tenían sus castillos y palacios, en la colina del Albaicín, y nada queda de ellos. Los Nasrites fueron probablemente los emires que construyeron la Alhambra, comenzando en 1238.

El fundador de la dinastía, Muhammed Al-Ahmar, comenzó con la restauración del antiguo fortín. Su trabajo fue completado por su hijo Muhammed II, cuyos sucesores inmediatos continuaron con las reparaciones. La construcción de los palacios (llamado Casa Real Vieja) data del siglo XIV, y es la obra de dos grandes reyes: Yusuf I y Muhammed V. Al primero se le adjudica, entre otros, el Cuarto de Comares, la Puerta de la Justicia, los Baños y algunas torres. Su hijo, Muhammed V, completó el embellecimiento de los palacios con la Sala de los Leones, además de otros cuartos y fortificaciones.

La historia de la Alhambra la podemos clasificar en cuatro grandes periodos:

SIGLO IX – XII

Los árabes respetaron las ciudades y vías romanas ampliándolas y añadiéndole nuevas fundaciones. En el siglo IX existen noticias de construcciones en la colina de la Sabika, donde posteriormente se levantará la Alhambra, aunque se cree que ya en época romana e incluso antes debió haber alguna edificación. Tras la guerra civil que sucedió al Califato de Córdoba (1031), la capital de la hasta entonces provincia granadina, se traslada de Elvira a Granada, con el Reino de Taifa granadino de los Ziríes. Estos establecen su corte en la Alcazaba Cadima o Vieja, situada en el barrio del Albaicín.

A sus faldas existía un núcleo de población importante, fundamentalmente judía, en torno al cual se produce el desarrollo de la ciudad de Granada. El primer ministro Samuel ibn Nagrella, reconstruye las abandonadas edificaciones de la colina de la Sabika e instala en ella su Palacio.

En el siglo XII, las sucesivas oleadas de Almorávides y Almohades, ocasionan en Granada diversas luchas que tienen como escenario la Alcazaba del Albaicín y las construcciones que existían en la colina de la Sabika, sirviendo ésta de refugio unas veces a los partidarios locales andalusíes y otras a los invasores norte africanos.

SIGLO XIII-XV

Al-Ahmar, fundador de la Dinastía nazarí, se instala en 1238 en la Antigua Alcazaba del Albaicín, llamándole la atención las ruinas de la colina de la Alhambra. Decide así iniciar su reconstrucción e instalar en ella la sede de la corte, comenzando la edificación de la Alhambra que hoy conocemos.

La Alhambra fue palacio, ciudadela y fortaleza, residencia de los sultanes nazaríes y de los altos funcionarios, servidores de la corte y de soldados de élite; alcanza su esplendor en la segunda mitad del siglo XIV, coincidiendo con los sultanatos de Yusuf I (1333-1354) y el segundo reinado de Muhammad V (1362-1391).

Granada, capital del reino nazarí, va recibiendo paulatinamente poblaciones musulmanas a causa del avance de la conquista cristiana. La ciudad va creciendo, modificándose, creando nuevos barrios y ampliando las cercas y murallas prácticamente hasta su conquista al final del siglo XV.

SIGLO XVI-XVIII

La Alhambra se convirtió en una corte cristiana en 1492 cuando los Reyes Católicos conquistaron Granada. Más tarde, se construyeron varias estructuras para albergar a ciudadanos prominentes, cuarteles militares, una Iglesia y un Monasterio Franciscano.

Después de 1492, la Alhambra quedó establecida como Casa Real con jurisdicción exenta a cargo del Conde de Tendilla. Los Reyes Católicos ordenaron intensas reparaciones sirviéndose en gran medida de artesanos moriscos.

El Emperador Carlos V decide, en 1526, la construcción del palacio que lleva su nombre e hizo algunas reformas en el interior de los edificios, junto a otras construcciones muy significativas de gusto renacentista romano. La casa de Austria continuó desde Felipe II (1556-1598) y sus sucesores al cargo de la conservación de la Alhambra, admirada por humanistas y artistas como Andrea Navaggiero (1524), embajador de Venecia en la Corte de Carlos V.

En las primeras décadas del siglo XVIII, Felipe V (1700-1746) desposee de la alcaldía al Marqués de Mondéjar, heredero del Conde de Tendilla, comenzando una etapa de abandono prácticamente hasta el reinado de Carlos IV (1788-1808).

DEL SIGLO XIX A LA ACTUALIDAD

Durante el siglo XVIII y parte del XIX, cayó en el olvido y sus salones y cuartos fueron utilizados como bares y establos donde habitaban gentes de mal vivir. Para rematarlo, las tropas napoleónicas que ocuparon Granada desde 1808 hasta 1812, convirtieron los palacios en cuarteles militares. La ocupación napoleónica supuso un episodio negativo para la Alhambra, por la voladura producida en 1812, al retirarse el ejército francés. Sólo el arrojo de un soldado español pudo evitar casi su total destrucción.

Desde entonces hasta nuestros días, la Alhambra ha sido restaurada, protegida e incluso mejorada en muchos aspectos para admiración y disfrute de todo el mundo.

A una etapa de reivindicaciones acerca del estado del monumento, secundadas activamente por Washington Irving (1783-1859) se suma un creciente interés de la sociedad por los jardines de la Alhambra y el orientalismo que evoca en el imaginario romántico, muy bien reflejado en las artes plásticas del momento.

Con la revolución de 1868 la Alhambra queda desligada de la Corona y pasa al dominio del Estado, declarándose en 1870 “monumento nacional”.

Con la entrada del siglo XX, el cuidado de la Alhambra se confía a una Comisión (1905), sustituida en 1913 por un Patronato que en 1915 pasa a depender de la Dirección General de Bellas Artes. En 1944 se crea un nuevo Patronato que se mantiene hasta el traspaso a la Comunidad Autónoma de Andalucía de las funciones y servicios del Estado en materia de cultura.

PLANTA DE LA ALHAMBRA

El dibujo representa el trazado de la planta del conjunto palaciego, el elemento más interesante, desde el punto de vista artístico, de cuantos conforman el recinto de la ciudad-fortaleza-palacio de la Alhambra.

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PARTES DE LA ALHAMBRA

Alcazaba

Esta es la parte más antigua de la Alhambra, reconstruida sobre las ruinas de un castillo del siglo IX. Las torres más sólidas son las del Homenaje situada al sur y la de Quebrada en el ángulo noroeste. La que tiene un interior más elaborado es la Torre de las Armas. Sin embargo, todas ellas quedan superadas por la impresionante Torre de la Vela. Su campana suena en ocasiones festivas impulsada por muchachas jóvenes, que según la superstición, esperan así no quedarse solteras. Esta es la torre más alta de todo el recinto amurallado, y el paisaje que desde aquí se observa se abarca un amplio horizonte.

A la entrada de la Alcazaba están los agradables Jardines de los Adarves, también llamados Jardines de los Poetas. Desde sus almenas nuestra vista se ve atraída por las torres de la colina de enfrente. Son las Torres Bermejas, el “castillo de gran valor” al que se alude en algunas baladas. Algunas composiciones musicales de Albéniz o Joaquín Rodrigo evocan su nombre.

La casa real

Es un grupo de pequeños palacetes con una serie de estructuras que les rodean que nacieron de una necesidad puramente transitoria y ornamental. Desde el siglo XVI, a estos alcázares nazaritas se les ha designado como Casa Real Vieja para distinguirlos de los edificios cristianos.

La Alhambra contiene las tres estancias típicas un Palacio Musulmán, incluyendo un salón de recepciones y el Patio de los Leones. Este espectacular patio es obra de Mohammed V y nos muestra lo mejor del Arte Islámico en todo su esplendor.

El Patio de los Leones se caracteriza por su hermosa originalidad, una mezcla armoniosa de arte oriental y occidental. Sus 124 palmeras rodean la fuente que reposa sobre la espalda de sus 12 leones. El agua es aquí el gran protagonista, ascendiendo y rebosando por la fuente hasta la boca de los leones, desde donde se distribuye por toda la estancia.

Cuatro grandes vestíbulos rodean la estancia. El primero entrando por el patio de los Mártires es la Sala de los Mozárabes, cuyo nombre probablemente derive de los tres arcos que forman la entrada al Sala de los Leones.

Al Sur está la Sala de los Abencerrajes, famosa en leyendas por su ornamentación de lazos. En la parte este está la Sala de los Reyes, la cual es bastante singular en su diseño y recuerda a un escenario teatral, dividido en tres secciones, separadas por arcos dobles mozárabes.

Al Norte está la Sala de Dos Hermanas, llamada así por las dos grandes piezas de mármol que flanquean la fuente. El vestíbulo contiguo es la Sala de los Ajimeces, con dos balcones con vistas al Jardín de Daraxa. Entre estos dos balcones está el Mirador de Daraxa, dormitorio y vestidor de la Sultana y un sitio muy apacible y resguardado.

Por el último vestíbulo accedemos al Peinador de la Reina, también llamado el Tocador. Fue diseñado para ser la residencia de la Emperatriz Isabel y más tarde de Isabel de Parma. Aquí encontramos algunos frescos conmemorando la expedición de Carlos V a La Goleta. Dentro del recinto de la Alhambra también encontramos edificios que son exclusivamente occidentales, con los Jardines de los Mártires donde antaño hubo un Monasterio de las Carmelitas Descalzas.

La Iglesia de Santa María se erige donde una vez estuvo la mezquita real. El Monasterio de San Francisco, que hoy es un Parador, se construyó sobre un palacio árabe, y tiene un valor sentimental, ya que estuvo la tumba temporal de los Reyes Católicos hasta su traslado a la Capilla Real. El Palacio de Carlos V o Casa Real Nueva fue comisionado por el Emperador en un intento de emular el Palacio de los derrotados musulmanes además de servir como su propia residencia. Se empezó a construir en 1527 bajo la dirección de Pedro Machuca, que había estudiado con Miguel Angel en Italia. Tiene forma cuadrada y se compone de dos partes: la primera de estilo Toscano y la segunda con pilares Jónicos.

Generalife de Granada

La palabra ‘Generalife’ ha sido traducida como “jardín del Paraíso”, “plantación” o “jardín festivo”.

Después de la conquista de Granada, los Reyes Católicos cedieron la propiedad del Generalife a la familia Venegas de Granada. La avenida conduce al Patio de la Acequia, que es el sitio más popular y el verdadero corazón del palacio. En la parte oeste hay una galería con 18 arcos. El pórtico del norte se llama el Mirador y tiene cinco arcos en la parte delantera y tres más detrás hechos en mármol. A través del pórtico norte desembocamos en el Patio de los Cipreses, que tiene un estanque en el centro.

Una escalera de piedra nos lleva hasta los Jardines Superiores, que antaño fueron plantados con olivos y hoy día se ha convertido en una explanada con jardines bellos y modernos. Aquí encontramos los saltos de agua descritos por Navagiero en el siglo XVI. Siguiendo la escalera llegamos a un edificio moderno y aséptico de varios pisos. En la parte más alejada es donde se encuentra el gran escenario donde se celebra el Festival Anual de Música y Danza.

VISITA VIRTUAL DE LA ALHAMBRA

BANNER01 VISITA VIRTUAL

EL ARTE NAZARÍ: LA ALHAMBRA DE GRANADA

La Alhambra constituía una auténtica ciudadela, esto es, una ciudad dentro de la populosa ciudad de Granada. Contaba con todos los medios necesarios para desarrollar en ella la vida cotidiana, y con una ubicación privilegiada, pues constituía una zona inexpugnable. Supone además la más alta representación del arte nazarí.

Ubicada a unos 150 m. de altitud con respecto a la parte baja de la ciudad, y recorriendo la Sabika de Este a Oeste, presenta planta irregular por tener que adaptarse a las condiciones del terreno, siendo su longitud de 740 m. Está rodeada por una muralla que se extiende1.400 m., doble en algunos tramos, en la que se insertan 27 torres de muy variada forma, tamaño y función; aunque la mayoría eran defensivas, otras tenían en su interior viviendas, como por ejemplo la del Peinador de la Reina o la de las Infantas.

Al interior del recinto se accedía por cuatro puertas: Puerta de las Armas, del Arrabal, De los Siete Suelos y de la Justicia. La Puerta de las Armas era el acceso principal, utilizado normalmente por los ciudadanos. El nombre de la puerta le viene de que tenían que dejar las armas para acceder al interior. Presenta un arco de herradura apuntado enmarcado por un alfiz. Su planta, por ser defensiva, es en recodo. Sin embargo, con el tiempo, la Puerta de la Justicia se convirtió en la entrada más importante a la Alhambra, y es la más monumental y mejor conservada. También tiene un arco de herradura apuntado con alfiz, y en su clave aparece una mano que al parecer simboliza los cinco preceptos del Corán. Su planta es de triple recodo, dado su carácter defensivo, y sus tres tramos se cubren con distintos tipos de bóvedas.

Dentro de esta ciudad cortesana que es la Alhambra se aprecian tres zonas claramente diferenciadas: Alcazaba, Palacios y Ciudad cortesana.

La ciudad palatina de la Alhambra albergaba seis palacios y otras dos torres-palacios, pero sólo han llegado hasta nuestros días los Palacios de Comares y de los Leones, obras de los dos grandes reyes constructores del siglo XIV: Yusuf I y Muhammad V.

EL PALACIO DE COMARES

Comares

Este palacio era la sede oficial del soberano y del poder ejecutivo-judicial y administrativo. Era la zona destinada a la Administración pública y a los actos de representación del Sultán.

El Patio de los Arrayanes o Patio de Comares era el centro neurálgico de la vida ceremonial del Palacio. En sus lados menores se abren pórticos; el del lado Norte da paso al Salón de Embajadores, una de las mayores y más ricas construcciones de la Alhambra, en la Torre de Comares. Se reservaba para actos oficiales, como la recepción de enviados y personas de alto rango. Su decoración constituye un capítulo relevante de la decoración geométrica islámica (lacería), tanto la de sus paramentos como la de su techumbre. Ésta está realizada en madera, con cuatro series de paños escalonados de distinta inclinación y un paño horizontal que la cierra por arriba. Tiene una significación cósmica, pues simboliza la cúpula celeste.

Las habitaciones privadas del monarca se hallaban en las cuatro plantas de esta torre: abajo la de verano, arriba las de invierno. La habitación llamada Sala de la Barca, que antecede al Salón de Embajadores, recibe su nombre del vocablo baraka (bendición) que de forma reiterada aparece en los muros. En el lado Este y Oeste estaban las habitaciones de las cuatro esposas del Sultán, y las del Sur eran para las concubinas y el servicio.

Por el lado Este de la Torre de Comares se accede al Baño Real. Estos cuentan con tres salas características: fría, templada y caliente. La sala templada es la mayor. Las tres se cubren con bóvedas esquifadas con claraboyas de estrellas y sus muros con zócalos de azulejos. Otra sala que encontramos es la Sala de las Camas, para desnudarse y vestirse.

Hay que recordar que el uso del baño estaba muy generalizado en el mundo islámico, teniendo una doble función: limpieza corporal y espiritual. Su estructura deriva de las termas romanas, aunque su tamaño es bastante más reducido.

EL PALACIO DE LOS LEONES

palacio leones

Está situado al Este del de Comares, y constituía laresidencia privada del Sultán. El conjunto está centrado por un gran patio -llamado de los Leones por la fuente que ocupa su centro- con planta rectangular y porticado en sus cuatro lados. Las galerías estánformadas por numerosas columnas exentas, de mármol blanco, distribuidas de forma muy compleja, pues aparecen tanto aisladas como formando grupos, de dos, tres o cuatro. En torno a este patio se ubican cuatro importantes salas: La de los Mocárabes(Oeste), la de los Abencerrajes (Sur), la de los Reyes (Este) y la delas Dos Hermanas (Norte).

patio leones interior

LOS JARDINES DE LA ALHAMBRA

El jardín es una aspiración del hombre que podemos encontrar a lo largo de todas las épocas y de todas las civilizaciones. El jardín árabe manifiesta el anhelo por el Paraíso mahometano. La vida del musulmán está ligada a la idea que tiene del paraíso, imaginado como un jardín, un lugar de delicias y placeres donde podrá alcanzar la completa satisfacción de sus anhelos. El Profeta anuncia:

«Dios ha prometido a los creyentes y a las creyentes unos jardines en los que corren ríos. En ellos vivirán eternamente: tendrán hermosas moradas en el jardín del Edén».

Por lo tanto, el jardín hispanoárabe se envuelve de todo aquello que le puede proporcionar placer a los cinco sentidos del hombre: para la vista, el color, la luz y la sombra; para el olfato, las plantas aromáticas o el dulce perfume de las flores; para el oído, el murmullo del agua; para el tacto, las distintas texturas de los materiales, y para el gusto, el sabor de los frutos. Todo el jardín está envuelto en un clima de sensualidad.

El agua asegura a la vegetación una lujuriante exuberancia y constituye el elemento decorativo de mayor evidencia, apareciendo en fuentes, pilas, surtidores y sabios artilugios que la hacen vibrar en ondas o reflejos de luz. Por lo tanto y como nos dice el profesor Prieto Moreno:

«En todo jardín el agua es el elemento vitalizador, pero en Granada se convierte en esencia viva y dinámica de sus jardines, introducida por los musulmanes (…). Nada hubiera sido posible sin la habilidad con que los árabes hicieron las traídas de agua de las estribaciones de la sierra para regar sus huertas, y no se hubiera podido conseguir la profusión de fuentes y surtidores del Generalife y la Alhambra.»

En palabras del profesor Chueca Goitia:

«Cuanto más se contempla la Alhambra, más se tiene la sensación de que el ideal de los árabes era vivir sobre un jardín».

En las paredes se esculpen versos que mencionan las bellezas del jardín, se decoran con abstractos dibujos florales, y se colorean con tonos que harán resaltar la luz que penetra desde el exterior. El amplio uso de azulejos de vivos colores constituye otra de las particularidades de los jardines árabes.

jardines alhambra

La Alhambra constituye un conjunto monumental único en España. Su historia, poblada de leyendas y embrujos, ha convertido a los conjuntos monumentales de la Alhambra y el Generalife en la ciudad de Granada en punto de referencia para el arte, la literatura, la música, y también el turismo mundial, destino de las almas sensibles.

Los jardines de la Alhambra simbolizan la culminación de una larga tradición de jardines y haciendas ajardinadas que comenzó en Córdoba a mediados del siglo VIII. Dado que la economía del mundo islámico medieval se basaba casi por entero en la agricultura, los cambios agrícolas tuvieron una profunda repercusión en al-Andalus. Todo esto se tradujo en una nueva habitabilidad del paisaje, con ramificaciones en el diseño de jardines.

El conjunto de la Alhambra se presenta como un conglomerado de edificios, de obras de fortificación y de jardines, todos ellos sabiamente dispuestos y admirablemente fundidos en una emocionante composición, envuelta por el verde manto de la densa vegetación que cubre todas las laderas de la colina. Los jardines forman un tejido dentro del cual se extienden edificios y construcciones de fábrica en armonía con la orografía del terreno y con las exigencias residenciales y defensivas. Los elementos de jardinería aparecen por doquier, tanto en los espacios interiores como en los exteriores; están presentes para animar las vistas, para consolidar las laderas, para enmarcar las panorámicas y para actuar como telones de fondo, asumiendo por todo ello un papel primordial de sostén compositivo.

El núcleo principal y más antiguo de la Alhambra se compone de un conjunto de recintos (la Casa Real vieja): el Patio de la Alberca, Patio de Comares o de los Arrayanes, que está en el centro de las salas y habitaciones donde se desarrollaba la vida oficial de la corte; y el Patio de los Leones, que ocupa el centro de la residencia privada de los reyes.

El Patio de los Arrayanes o Patio de Comares. Levantado en parte sobre edificaciones anteriores, se llevo a cabo bajo el sultanato de Yusuf I (1333-1354); con su extremada sencillez, ofrece un ejemplo completo del ambiente típicamente árabe, concebido como síntesis de arquitectura y jardín, aunque los elementos arquitectónicos sean preponderantes. Ocupa una superficie de 36,60×23,50 metros, flanqueada en los lados mayores por dos edificios de altura modesta, y limitada en los otros dos lados por pórticos de una elegante pureza, de los cuales el situado hacia el norte está dominado por la masa maciza de la torre de Comares. Una lámina rectangular de agua, solada de mármol, flanqueada por setos de arrayán, de los que sobresalen naranjos, dirige la vista del extasiado visitante hacia el pabellón real, donde se encontraba el trono del monarca. El ambiente que, por ejemplo Boabdil disfrutaba era: la vista del firmamento, simbolizado en la decoración polícroma de la cúpula que coronaba su trono, y la visión del rico paisaje, presente a través de los huecos laterales de su pabellón; a sus pies, la serenidad de la alberca dispuesta como un espejo de agua, con los reflejos del azul del cielo y del verde relajante del mirto o arrayán; a lo largo de las paredes del patio, una delicada decoración geométrica, inspirada en imágenes naturales.

Hay en el Patio de Comares o de los Arrayanes una felicísima armonía entre la arquitectura, el agua y la vegetación. Es precisamente esta armonía uno de los pilares de todo buen jardín, de esta forma lo convertimos en un pequeño paraíso de los sentidos.

El Patio de los Leones, mandado construir por Muhammad V en el siglo XIV, recibe su nombre de la célebre fuente con pila de mármol, sostenida por doce leones, que se levantan en el centro. La taza de esta fuente tiene una bella inscripción árabe ensalzando el jardín que entonces existía en este hermoso lugar: El agua que al rebosar parece brillantes perlas y líquida plata. Nos vienen a la memoria los cuentos de Las Mil y Una Noches, los Cuentos de la Alhambra, y las notas de la guitarra del maestro Andrés Segovia. Este patio está organizado a base de un patio central, de planta rectangular de 28,50×15,70 metros de lado. Rodean galerías sus cuatro lados y tiene sendas y grandes salas de recepción y estancias abiertas a los lados menores. Triunfan en el patio de los Leones los mocárabes, que invaden capiteles, arcos, frisos y bóvedas. Era la parte más íntima y reservada de la Casa Real de la Alhambra, donde se desarrollaría la vida íntima de los reyes.

El Patio de los Leones era, sin duda, uno de los jardines de la Alhambra lleno de vegetación, elevándose en su centro la fuente. Las aguas que corren por sus estrechos canalillos de mármol para penetrar en las habitaciones a los surtidores regarían los pies de estas plantas. El agua, más aquí que en ningún otro patio de la Alhambra, es fuente de vida y símbolo.

La disposición característica del Patio de los Leones dividido por los dos ejes se inspira en la arquitectura persa. Con sus canales en ángulo recto, sus fuentes, los ríos del Corán, y sus pabellones, el jardín ortogonal representa el orden perfecto del mundo, es decir, el Edén original o Paraíso.

Cuatro fuentecillas con surtidores en sus lados longitudinales y frontales, cuya agua, llevada por canalillos, penetra en las habitaciones formando una cinta plateada en forma de cruz, completan la impresión de frescura deliciosa.

La luz es también aquí un elemento fundamental, brillando sobre el agua y proyectándose abiertamente sobre el patio, para filtrarse suavemente a través de los pabellones hasta las salas contiguas. La diáfana luz mediterránea colabora en alto grado en la brillantez del conjunto y en la exaltación del paisaje y de su colorido.

El Patio de la Reja corresponde en realidad a las reformas llevadas a cabo en tiempos del emperador Carlos V; la vegetación queda reducida a la presencia de cuatro hermosos cipreses que se elevan desde un plano pavimentado con mosaico rústico de guijarros, adornado con una pequeña pila octogonal en el centro del patio. Una logia de madera en dos plantas, desde donde la mirada puede extenderse hacia el paisaje constituye otro elemento compositivo de este patio.

El Patio de Lindaraja, clausurado por la construcción de las habitaciones en que se estableció la residencia del Emperador Carlos V, y que posteriormente habían de ser habitadas por Washington Irving durante una temporada en los apartamentos que ocuparon Felipe V e Isabel de Farnesio sobre este patio. Este jardín guarda su ambiente sombrío y austero. El conjunto asimétrico de los cipreses y el resto del arbolado que predomina en la planta del patio, sobre los pórticos circundantes y la fuente, constituye un tamiz para la luz, adquiriendo ese recatado carácter de intimidad, que se acentúa por en murmullo misterioso del surtidor.

lindaraja

El Jardín de Daraxa remozado en el siglo XVI, es el que mejor responde a la idea de jardín cerrado como lugar de encantos y delicias. Tiene el marcado y sobrio estilo de los patios toledanos, con su galería tan castellana, de postes y zapatas. Es un trapecio irregular que en dos de los lados se apoya en el gran palacio de Carlos V, y en los otros dos está cerrado por un pórtico. El centro está ocupado por una hermosa fuente renacentista; seis arriates bordeados con densos setos de boj, cada uno ocupado por cipreses y naranjos, hacen de corona de la fuente y forman una masa compacta y oscura que hace más paradisíaco el efecto del agua del surtidor.

La Alhambra comprende otros muchos trazados que, aunque surgidos en épocas posteriores, reflejan el mismo carácter que el ambiente creado por los nazaríes; entre ellos destacan los Jardines del Partal, que se extienden al este del núcleo principal, sobre un terreno en pendiente, formando por ello jardines colgantes adaptados a la orografía del terreno. El Partal es el edificio más antiguo de los conservados en la Alhambra. Fue zona ajardinada con espléndidos palacios.

El estanque del Partal refleja en sus quietas aguas dos leones de mármol. Este estanque con su jardín presenta un bello pabellón cuya fachada se refleja en el estanque. Es una arquitectura totalmente abierta, donde sobresalen las techumbres de madera y los azulejos de la estancia interior.

Quiero terminar con las siguientes palabras de Titus Burckhardt:

«El agua es la vida misteriosa de la Alhambra; produce la vegetación exuberante de los jardines, el esplendor de los arbustos florecientes, descansa en las albercas que reflejan las elegantes salas porticadas (…)»

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ANÁLISIS DEL “PALACIO DE LOS LEONES”

Granada. S. XIV.

La última dinastía musulmana que se mantiene en suelo peninsular será la nazarí o nasrí, nacida de la proclamación como sultán de Muhammad I en 1232, en la ciudad de Arjona (Jaén). Un pacto con Castilla en 1246 permitirá la permanencia pacífica de esta dinastía hasta 1492. De inmediato la nueva dinastía establece la capital en Granada, concretamente en 1237 y un año después se funda la ciudad palatina de La Alhambra, sin duda el mejor ejemplo del esplendor alcanzado por el arte nazarí. En éste hay que distinguir, no obstante, dos tipos de arquitectura: la funcional, propia de edificios menores y caracterizada por su mayor austeridad; y la de carácter suntuoso, con una mayor vocación ornamental o decorativa, propia de las construcciones palatinas, caracterizadas por sus revestimientos de mármol, zócalos alicatados, yesos labrados, techumbres de madera y un virtuosismo decorativo de filigrana donde se integran perfectamente motivos de lacería, ataurique y caligráficos. Otros elementos característicos, serían las columnitas de finísimos fustes, los capiteles delicados de mocárabes, los arcos angrelados y de mocárabes, las cúpulas de mocárabes, etc.

En el arte nazarita, como ya había ocurrido en el de Taifas, prevalece la arquitectura civil sobre la religiosa, encontrando en el amplio complejo palacial de la Alhambra su manifestación más elocuente.

La Alhambra se construye junto al río Darro y frente al Albaicín, sobre una colina rojiza que dará nombre al conjunto, conociéndose por ello con el nombre de Al Qalat Ahmra o “Fortaleza roja”. Está constituida por una fortaleza o alcazaba que protege la ciudad desde su vértice angulado y una serie continuada de palacios cuya construcción va sucediéndose en el tiempo: primero se construye el Generalife, que no se halla dentro del recinto palacial de la Alhambra porque se encuentra fuera de su circuito defensivo y al otro lado de la muralla. Lógico si tenemos en cuenta que se concibe como una residencia de recreo que buscaba el alejamiento del espacio militar, función original del primer recinto de la Alhambra.

Algún tiempo después se construye el primer palacio dentro del recinto amurallado, El Partal, que no obstante mantiene su función de esparcimiento y recreo.

Pero será durante el S. XIV cuando la edilicia palatina de la Alhambra alcance todo su esplendor, bajo el mecenazgo precisamente de dos de sus sultanes más activos: Yusuf I, que inicia el Palacio de Comares, y Muhammad V, que completa la obra del anterior y construye el Palacio de los Leones, completando un conjunto palacial que se ha dado en llamar la Casa Real Vieja.

De todos ellos probablemente sea el Palacio de los Leones el más completo en el desarrollo pleno de todos los recursos arquitectónicos y ornamentales del arte nazarita. Como tal palacio musulmán sigue una estructura habitual de patio abierto central, que sirve como distribuidor de las estancias principales que se reparten entre sus cuatro lados. El agua conserva su protagonismo como elemento dinamizador del espacio abierto, en este caso por medio de la famosa fuente de los leones que da nombre al conjunto palacial.

leones

Hasta no hace mucho tiempo se pensaba que el Palacio de Comares y el de los Leones tenían una funcionalidad complementaria y que si aquél asumía el papel de sede oficial del sultanato, el de los Leones serviría como residencia privada o de recreo. Pero no es así, el de los Leones es un palacio indepeniente, de tal modo que la intención de Muhammad V al construirlo sería la de levantar una réplica al Palacio de su padre, colocando su trono en el llamado Mirador de Lindaraja y estableciendo su despacho en la llamada Sala de las dos hermanas.

Su construcción data del primer periodo del reinado del propio Muhammad V entre 1354 y 1359, porque cuando vuelve al trono en 1362, el Palacio sirve de marco a las fiestas de su nueva entronización.

El patio dispone una estructura cruciforme, con dos templetes en los lados menores que avanzan hacia el patio, de tal forma que la interrelación espacial es plena, no distinguiéndose fácilmente cuándo empieza el jardín y cuando acaba la edificiación. Otra peculiaridad es que en los cuatro lados del patio se abren pórticos, a base de arquerías sobre columnas de mármol, de aspecto muy frágil. Éstas se distribuyen exentas o agrupadas en grupos de dos o de tres, lo que otorga al conjunto unos ritmos arquitectónico muy variados.

Los capiteles responden al mismo esquema ornamental que en el Palacio de Comares, siendo igualmente de dos tipos, o de ataurique, de hojas de acanto muy estilizadas, o de mocárabes. Los arcos actúan como pantallas visuales, siendo o bien igualmente de mocárabes, o festoneados.

La decoración es profusa con una clara intención de horror vacuii, de azulejos en los zócalos, y encima yeso y madera, que reproducen todo un repertorio infinito de temas epigráficos, atauriques y lacerías.

En cuanto a la fuente propiamente dicha está formada por doce leones en pie colocados circularmente, que pertenecieron a un palacio de S. XI, y que en su día quisieron rememorar la vieja fuente del antiguo Palacio de Salomón, que al parecer era muy similar. La taza superior, ya fue mandada labrar por Muhammad V en el contexto general de las obras de nuevo Palacio de Los Leones.

Alrededor del Patio se disponen como es habitual el resto de las estancias palaciegas: En el lado Norte, la Sala de las dos Hermanas; al sur la Sala de los Abencerrajes; y en los lados mayores, al oeste, la Sala de los Mocárabes, y al este la Sala de los Reyes.

En el lado Norte, en uno de los lados mayores del Palacio se dispone como decimos la Sala de las dos Hermanas, así llamada ya en un poema de Ibn al-Jatib fechable a mediados del S. XIV. No es por tanto como se pensó durante mucho tiempo, un nombre moderno que derive de la disposición en la sala de dos grandes losas de mármol, gemelas, que adornan a los lados la fuente central de la estancia. La verdadera función de la Sala de las dos Hermanas era la de Mexuar de Muhammad V. Al fondo del mismo, el Mirador de Lindaraja o de Daraxa, haría las veces de Salón del Trono, muy similar al que Yusuf I abría en el Salón del Trono de Palacio de Comares. La sala presenta planta cuadrada cubierta con una espectacular cúpula octogonal de mocárabes, apoyada sobre trompas.

En la parte sur del Palacio, se localiza la Sala de los Abencerrajes, llamada así porque en este lugar fue decapitado el Jefe de la familia del mismo nombre, por orden del sultán Muhamadd IX, que por cierto, más tarde correría la misma suerte en este mismo lugar. La habitación se utilizaba en su planta baja para organizar los festines de la época invernal, disponiéndose los comensales en las dos alcobas laterales, que están separadas de la estancia central por arcos gemelos. La parte alta de la estancia se acondicionó como vivienda privada.También esta Sala se cubre con una cúpula de mocárabes sobre trompas y tambor de planta estrellada.

En uno de los lados menores del Palacio y en concreto en su parte occidental, se abre la Sala de los Mocárabes, que servía de vestíbulo de entrada y cuya cúpula de mocárabes que daba nombre a la Sala, quedó destruída por la explosión de un polvorín cercano en 1590, siendo sustituída en la época de Felipe IV por el actual techo barroco de escayola.

Finalmente, en el otro lado menor, en su parte oriental, se abre la famosa Sala de los Reyes, estancia ideada para los banquetes de verano al estar directamente abierta al patio central a modo de estancia porticada. Su planta rectangular se divide en siete tramos cuadrados y rectangulares alternativamente, divididos por arcos atajos de mocárabes. Los tramos rectangulares, más sombríos, abren al fondo unas alacenas cuadradas donde se prepararían los manjares para los festines. A su vez, los tramos cuadrados mucho más luminosos al dar paso directamente al patio, abren al fondo alcobas rectangulares para solaz de los invitados.

Presenta una curiosa decoración pintada, de influencia cristiana, al igual que puede observarse decoración mudéjar en los propios arcos atajos. Todo ello consecuencia del intenso intercambio artístico y cultural que se produce entre ambos reinos, y que es producto a su vez de la estrecha amistad que unió las personas de Pedro I de Castilla y Muhammad V.

CUADROS DE SOROLLA SOBRE LA ALHAMBRA

A continuación podemos ver un par de cuadros realizados por el pintor Joaquín Sorolla sobre la Alhambra:

– El patio de comares

Sorolla_ Patio de Comares

– Patio de los Arrayanes

Sorolla_ Patio de los Arrayanes

PASEO POR LA ALHAMBRA CON LOS PLAYMOBIL

JUEGOS INTERACTIVOS DE LA ALHAMBRA

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Imagen

El Discóbolo De Mirón

INTRODUCCIÓN

El Discóbolo, creado por el artista griego Mirón en el siglo V A.C., es una de las obras más admiradas de la Antigüedad. Era un bronce hecho durante el período clásico alto del arte griego y mide aproximadamente 1,60 metros de altura.Aunque el original ya no existe, se han conservado célebres reproducciones romanas en mármol.

Sobre el autor, Mirón, sabemos que nació en Eleuteras, en la frontera entre Ática y Beocia. Vivió buen parte de su vida profesional en Atenas y es famoso por sus representaciones de atletas. Trabajó principalmente en bronce, un material superior al mármol que permite a escultores crear posturas más dinámicas y conferir a sus obras detalles más finos y realistas.

Mirón realizó la escultura en el año 460 A.C. para ser colocada en una calle de Atenas. En este sentido, hay que tener en cuenta el contexto histórico en el cual fue concebida la obra, época de gran auge en Grecia y en pleno dominio sobre los persas que intentaban invadir estas tierras sin lograr el éxito.En Atenas se gastaba mucho dinero en arte para decorar cualquier templo y todos los edificios de la Acrópolis, por lo que era un momento extraordinario para que los artistas se motiven y se inspiren en sus tareas.

El término griego Discóbolo significa lanzador de disco, uno de los deportes más tradicionales de la antigua Grecia, siendo la obra la representación de un momento del movimiento de un atleta en esa disciplina.El lanzamiento de disco era el primer elemento del pentatlón en el que un atleta lanzaba un pesado disco, llamado discusy, si bien los atletas de esta disciplina en cierto modo eran considerados inferiores a los atletas que se destacaban en un deporte específico, su apariencia física era objeto de suma admiración. Esto se debe a que no tenían ningún grupo de músculos desarrollado en exceso, lo que realzaba en la armonía de sus proporciones.Aquí Mirón  captura el estado de inmovilidad momentánea del atleta. La palabra griega que describe este instante es rhytmos, y hace referencia a una acción de gran armonía y equilibrio.

Los escultores optaron por representar al lanzador de disco con el cuerpo doblado porque así se satisfacía su deseo de representar una figura anatómicamente perfecta y transmitir una sensación de movimiento. El autor logra en la obra un equilibrio corporal perfecto, recreando un fragmento del movimiento de un lanzador técnicamente brillante como una demostración de la grandeza de los deportistas de Grecia. El movimiento es una de las claves que se quieren representar, el movimiento del hombre como muestra de avance en el pensamiento y en todas las áreas de la vida.

Los lanzadores de disco de la Antigüedad iban desnudos, lo que permitía a los artistas retratar sus músculosMirón representa el momento del lanzamiento, con un realismo y un movimiento de lo más convincentes, dando una sensación de vigor y equilibrio.

El lanzador de disco muestra una expresión relajada. Para el observador moderno, la cara del atleta parece carente de emoción, y es que para los escultores antiguos era mucho más importante representar el cuerpo como arquetipo del ideal atlético que centrarse en las expresiones faciales. Por otro lado la inexpresividad facial se puede interpretar que la mente es quien domina todos los movimientos de perfección, y que más allá del esfuerzo físico, el éxito y el dominio de las acciones está en el correcto manejo de la mente.

El deporte tenía en esta época una gran relevancia en la vida del hombre como símbolo de independencia, libertad y democracia, por lo que la obra tiene un alto contenido político y filosófico.

Seguramente haya sido construida en honor a algún gran atleta de la época, pero en ese momento en Grecia se buscaba plasmar un hombre ideal en las obras y no personificar a alguien puntualmente.

ANÁLISIS Y COMENTARIO DEL DISCÓBOLO DE MIRÓN

Discóbolo

Tema. La obra nos presenta la figura de un atleta en pleno esfuerzo, con una función puramente estética: la plasmación de la belleza desde una óptica antropocentrista, representando al hombre como ideal, muy alejado de la visión religiosa de épocas anteriores (Egipto). (Según algunos historiadores podría tratarse de un héroe o una simple representación simbólica de uno de los símbolos que unían a todas las polis, los Juegos Olímpicos).

Tipología. Se trata de una figura individual y exenta.

Material. Aunque la imagen que comentamos (copia romana) esté realizada en mármol tallado, suponemos que el original debió estar fundido en bronce, pues es conocido que Mirón fue especialmente broncista.

Composición. Se trata de un bloque abierto con clara ruptura de la ley de la frontalidad (aunque con un punto de vista preferente, precisamente el lateral). Mirón se plantea una doble misión en la composición, crear un movimiento armónico. Para ello, en una novedad sin precedentes, utiliza diagonales dobles que se contrapesan entre sí, creando dinamismo en las distintas partes del cuerpo que, en el conjunto, se armoniza al contraponer movimientos contrarios (De la misma manera juega con curvas contrapuestas).

Foto 2

El modelado de la escultura resulta un tanto plano (especialmente en el pelo y los músculos), que no permite excesivos claroscuros (aunque en el bronce original generaría probablemente otra sensación, haciendo resbalar la luz).

Aunque nos encontremos con una escultura monócroma muy probablemente el original se encontrara policromado (al menos pelo y ojos), como era habitual en la época.

La figura resulta idealizada y proporcionada, con un canon un tanto esbelto (sobre todo si lo comparamos con sus contemporáneos, como Fidias o Polícleto) y poco musculoso. La resolución anatómica resulta perfecta, así como su estudio anatómico. En cuanto a la expresión, resulta un tanto sorprendente su gesto inexpresivo en pleno esfuerzo físico, lo cual podía achacarse a su interés por no perder armonía en el conjunto. Por otra parte, el pelo, aún demasiado pegado al cráneo, todavía acusa cierto arcaísmo.

Foto 3

Comentario. El propio desnudo, añadido al tema (sin referencias religiosas), nos habla claramente de un carácter antropocentrista que caracterizó a la escultura griega. Por otra parte, el interés por la armonía (en la composición ya analizada o la propia proporcionalidad de la anatomía) son típicos de la fase clásica de dicho arte que se alcanzó en el siglo V a. C, momento de crecimiento político y económico derivado de la victoria sobre los Persas en las Guerra Médicas y la apropiación del tesoro de Delos. Será el periodo regido por Pericles, con las obras de la Acrópolis y los grandes escultores: Mirón, Polícleto y Fidias.

Artísticamente, esta fase supuso la culminación de todo un largo proceso que, derivando de modelos estéticos egipcios (época arcaica), logró encontrar nuevas fórmulas en el llamado Periodo Severo (contraposto, mayor trabajo de paños y anatomía, apertura del bloque… como en Kritias y sus Tiranicidas), que ahora serán tratadas con total soltura, insistiendo en la idea de proporcionalidad como expresión máxima de la belleza, entendida ésta como armonía y proporción entre las partes, regida por la matemática y utilizada a través del canon (cabeza como medida).

Foto 4

La belleza, por tanto, se expresa de una forma racional, conectando el arte al hombre, como es típico en esta sociedad griega de carácter antropocentrista en donde el hombre es la medida de todas las cosas, al contrario de lo que sucedía en las artes arcaicas (Egipto, Mesopotamia…), dominadas por la religión y una visión teocentrista que tendía al colosalismo (en arquitectura) o al hieratismo, la frontalidad o la tendencia a la geometría (escultura).

De la misma manera, se utilizará el mármol o bronce como materiales bellos, destinando las esculturas a lugares públicos en donde sean los hombres (y no los dioses) los espectadores y receptores de esta obra que ya no contiene ningún mensaje religioso sino simplemente estético, el crear el placer por la pura belleza (En este sentido el arte griego se podía entender como un arte por el arte, sin otras finalidades).

Refiriéndonos concretamente a la escultura, máximo logro de Mirón, podemos observar aún algunos rasgos que la colocan en el umbral de este clasicismo del que hablamos, en especial en el tratamiento un tanto plano de los músculos, el pelo o la falta de expresión que muy pronto serán superadas por Polícleto (su Doríforo estará más modelado, insistiendo aún más en la proporcionalidad) o Fidias (que conseguirá un mayor dinamismo con su técnica de los paños mojados o una mayor expresión psicológica en sus famosos relieves del Partenón).

Aún con esto, el Discóbolo se convertirá rápidamente en un símbolo de lo clásico (tanto por su ruptura de la frontalidad y su atrevida composición, como por la novedad del tema, alejada por completo de cualquier contenido religioso, perfecta representación del ideal del hombre cultivado por el mundo clásico), tal y como demuestra la existencia de numerosas copias que realizaron los romanos para adornar sus propias residencias. De la misma manera la consideraron en el arte del Renacimiento (como Miguel Ángel en sus Capillas Mediceas) llegando casi a nuestros días con la recreación que hizo de su composición Rodin en su Pensador.

Foto 5

COPIAS DE LA ESCULTURA

Como hemos comentado, sólo existen copias en mármol de la escultura en diferentes museos. Aquí podemos encontrar más información al respecto:

En el British Museum se encuentra una copia romana de un original de bronce del s. V a.C. Su origen es la Villa Adriana en Tívoli, Lacio, Italia.

Foto 6

Esta estatua de mármol es una de varias copias de un original de bronce perdido del s. V a.C. que se le atribuyó al escultor Mirón, cuyo período más prolífico fue entre los años 470 y 400 a.C.). La cabeza de la figura ha sido restaurada incorrectamente, ya que debería estar girada de modo tal que mire hacia el disco. Sin duda alguna, la popularidad de la obra en la antigüedad se debió a su representación del ideal atlético.

En la actualidad, sobreviven una cantidad de discos antiguos de mármol o metal y de varios pesos. Poco se sabe de las distancias que los atletas alcanzaban en la antigüedad, pero un epigrama que celebra un lanzamiento de 30 metros (95 pies) es sorprendente en el mundo moderno, donde el actual récord mundial es de poco más de 70 metros. No obstante, la antigua técnica del lanzamiento de disco pudo haber sido bastante diferente de la actual: no existen pruebas gráficas de un giro mayor a los tres cuartos, en lugar de los dos giros y medio utilizados hoy en día, y éste es un factor que dificulta la comparación directa.

OTRAS REPRESENTACIONES

Varios pintores famosos han hecho referencia en alguna pintura al famoso Discóbolo de Mirón, siendo además fuente de inspiración en lo técnico para una gran cantidad de artistas de esculturas. Respecto a la pintura, encontramos los siguientes ejemplos:

El óleo de Salvador Dalí el Atleta Cósmico para representar el arte español con ocasión de los Juegos Olímpicos de México celebrados en 1968.

Foto 7

Vicent Van Gogh hizo un dibujo académico del clásico lanzador, en una visión dorsal.

Foto 8

Pablo Picasso, dibujó el antebrazo y la mano de un supuesto deportista, agarrando de forma muy correcta un disco.

Foto 9

Como curiosidad, podemos decir que el Discóbolo también ha sido representado en sellos. El primer sello postal del mundo apareció en Inglaterra en 1840 y tuvo que transcurrir más de cincuenta años hasta que aparecieron los primeros sellos deportivos. Estos primeros sellos fueron los emitidos con motivo de los primeros Juegos Olímpicos de la era moderna celebrados en Atenas en 1896. Se trata de una serie de 12 sellos olímpicos considerada de un gran valor tanto estético como económico. Entre ellos, destacan dos sellos con la figura del Discóbolo de Mirón, por tanto se puede afirmar que se trataría de las primeras imágenes del lanzador recogidos en la filatelia.

Foto 10

A continuación podrás ver un vídeo relacionado con el arte histórico, concretamente con el discóbolo:

– Webs visitadas:

http://www.arteespana.com/artegrecia.htm

http://seordelbiombo.blogspot.com.es/2012/06/analisis-y-comentario-del-discobolo-de.html

http://es.slideshare.net/xavillaplana/pero-cuntos-discbolos-hay-1960425

http://www.britishmuseum.org/explore/highlights/highlight_objects/espanol/disc%C3%B3bolo.aspx

http://emasf.webcindario.com/El_discobolo_de_miron.pdf

Actividad propuesta

A partir de la información recogida en esta entrada al blog, te proponemos que hagas una descripción del Discóbolo acompañada de un dibujo. Para realizar el dibujo puedes ayudarte de las imágenes.